La historia, sin entrar en excesivos detalles, trata de una aventura por descifrar el contenido de un pergamino. Ése es el secreto del Unicornio. Para conocerlo, Tintín (Jamie Bell) debe resolver una serie de problemas creados por Ivanovich Sakharine (Daniel Craig) con la ayuda de los ya conocidos personajes de Hergé: su inseparable Milú (totalmente entrañable en la película) el Capitán Haddock (Andy Serkis), o los chiflados detectives Hernández y Fernández (Nick Frost).

Como en los cómics, Tintín pilota un avión, conduce coches, motos, pelea, dispara…  y piensa. Como buen reportero-Hombre orquesta, Tintín sabe hacer todas las actividades habidas y por haber, sin que ello conlleve una pérdida de credibilidad de su personaje.

Arriesgarte a ver una peli en 3D puede tener, desde el punto de vista técnico, consecuencias positivas (como en el caso de Avatar, de James Cameron) o, por no decir negativas, accesorias (como en la Alicia de Tim Burton). El Tintín de Spielberg pertenece al primer grupo. El 3D parece ideado para este tipo de películas. El sistema ‘Motion Capture’ es impresionante y la sensación de tridimensionalidad es total.

Las Aventuras de Tintín conjuga a la perfección una gran historia con una impecable realización. Y todo ello desde la animación (partiendo de actores reales), pero sin crear una película infantil. Al igual que los cómics de Hergé, que sin ser para niños pueden ser leídos por ellos, Spielberg no se encasilla y no hace una cinta para imberbes, sino que, al más puro estilo del escritor y dibujante belga, crea una gran obra, una Oda a Tintín, una Oda a Hergé.

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La película de la que quiero hablar, “Coach Carter” (dirigida en 2005 por Thomas Carter), también tiene el trabajo como leitmotiv. En esta cinta, el protagonista es el esfuerzo de un grupo de jóvenes (con un gran riesgo de caer en la delincuencia o las drogas) dentro de una cancha de baloncesto. Este trabajo, físico y mental, les posibilitará un futuro mucho más optimista.

El ‘gurú’ que idea la combinación de trabajo y baloncesto como facilitador de una vida mejor es Ken Carter, personaje en el que está basada esta película. Samuel L. Jackson interpreta a este entrenador de High School que se adentra en el problemático barrio de su niñez para llevar al equipo de baloncesto del instituto Ritchmonds. Carter, que ostenta varios récords de anotación y asistencias con los Oilers, impondrá a estos jóvenes un severo método de trabajo que hará crecer tanto al equipo como a cada uno de sus miembros.

En una de los últimos momentos de la película, Jackson pronuncia esta frase: “Vine a entrenar a jugadores de baloncesto y ustedes se han hecho estudiantes. Vine a enseñar a niños y se han hecho hombres”. Esta cita resume la película de principio a fin, pero no muestra los obstáculos que tienen que superar estos aprendices de pandilleros para introducirse en una vida ordenada y que, a buen seguro, les deparará notables éxitos.

El esfuerzo del que habla “Coach Carter” no es simplemente el esfuerzo físico: correr innumerables horas para mejorar resistencia o velocidad. La cinta va más allá. Explica el trabajo académico que realizan unos jóvenes (alguno prácticamente analfabeto) para mejorar sus calificaciones y lograr entrar a una universidad. Al comenzar su andadura con los Oilers, Carter da a cada uno de los jugadores un contrato: Deberán sacar una nota mínima, dejar a un lado sus ropas de pandillero y, los días de partido, vestir traje. También tendrán que acometer ciertas horas de voluntariado y acudir asiduamente a clase, sentándose en primera fila. Si no cumplen una por una estas condiciones, serán apartados del equipo

Los Oilers comienzan a ganar partidos, a subir en la tabla clasificatoria. Pero, cuando el grueso del grupo incumple este contrato y es sancionado, Carter deberá lidiar no sólo con el equipo, que monta en cólera. El entrenador tendrá que hacer frente al Sistema, que solo busca el éxito hoy y ahora, sin pensar en este futuro. Pero el Sistema no lo conforman exclusivamente los profesores del instituto, que ven el baloncesto como una forma de apartar a los muchachos conflictivos del equipo de sus clases, sino y lo que es más preocupante, por los propios padres, que pretenden echar por tierra todo aquello por lo que lucha Carter: no quieren formar personas, quieren que sus hijos sean jugadores de baloncesto.

Por eso, cuando al más puro estilo de “El club de los poetas muertos”, los estudiantes siguen las enseñanzas de Carter y llenan con pupitres el pabellón para demostrar su acuerdo con los heterodoxos métodos de su entrenador, que en el discurso final de la película, convierte una prematura derrota en los play-offs en una victoria fuera de las canchas. Una frase resume la actitud de Carter y lo que piensa sobre la evolución de sus muchachos: “Caballeros, estoy muy orgulloso de ustedes”.

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Triunfar sin olvidar tus raíces.

Entourage es la historia de Vince Chase, un actor neoyorquino que tras muchas eventualidades triunfa en Hollywood. Vive rodeado de sus amigos: su hermano Drama (Kevin Dillon) y sus colegas Turtle (Jerry Ferrara) y Eric “E” (Kevin Conelly). Sin embargo, el mejor personaje es el de Ari Gold (Jeremy Piven), un agente cinematográfico que saca la carrera de Vince de cualquier atolladero y la eleva hasta el Olimpo hollywoodiense.

¿Por qué triunfa Entourage? Lenguaje desenfadado, ambientes “cools”, diálogos hilariantes, personajes increíbles, buenos guiones… y un toque fiestero, con famoseo y toda la farándula norteamericana. ¿Quién no querría salir de fiesta con actores y actrices hiperconocidos, con estrellas de la NBA y las más bellas modelos, todo ello regado con champán Cristal?

A lo largo de sus ocho temporadas, los personajes evolucionan. Crecen con el desarrollo de la serie, cambiando sus puntos de vista y las acciones que realizan, lo que le da un toque bastante creíble. Los diálogos son tronchantes y las situaciones tan surrealistas y a la vez tan reales que tienes la impresión de estar viviendo el verdadero Hollywood.

Ahora que ha finalizado Entourage, podemos comprender totalmente la historia. No representa otra cosa que el sueño americano. Un chico de Brooklyn triunfando a lo grande en el extraño Hollywood, codeándose de tú a tú con todo tipos de personajes a los que solo unos meses antes habría pedido autógrafos.

Tras el fin de la serie crece la rumorología. Se especula con la realización de una película, algo bastante de moda, ya que en varias webs también se ha hablado de la posibilidad de que Friday Night Lights continúe en la gran pantalla, con otra película.

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Con esta serie nos adentramos en una Edad Media un tanto sui generis, ya que a lo largo de los diez capítulos de su primera (y hasta el momento única) temporada se alternan los complots en la corte, los duelos de espada y las justas con personajes inverosímiles y ajenos a este mundo real, como los ‘White Walkers’ que sirven de apertura en el primer capítulo. En “Juego de Tronos” se atisba lo que se ha comprobado en “Tru Blood” (también de la HBO): un creciente número de personajes mágicos a lo largo de las próximas temporadas.

Game of Thrones, al contrario de lo que suele pasar con otros productos de la HBO (que necesitan, como dicen de los buenos vinos, de un tiempo para acabar de atrapar), engancha desde el primer momento. Tiene todos los ingredientes necesarios para resultar atractiva. Tramas simples pero no facilonas; personajes muy bien desarrollados, con unas relaciones muy bien construidas; los suficientes momentos de acción para no ser lenta, pero no los demasiados para confundirse con “Spartacus”; conjuras palaciegas y hasta un toque “padrinesco”: la familia es lo primero.

No podría deciros de qué va “Game of Thrones” sin reventar la serie, sin convertirme en un mago del spoiler. A grandes trazos es lo que ya os comenté, una muestra del poderío cualitativo de la HBO: buen guión, una trama entretenida, buenos actores, mejores personajes… Todos los capítulos acaban en un “in crescendo” formidable… y qué decir de la conclusión de la primera (y hasta ahora única temporada). Te deja con muchas ganas de más y con afán de decirle un par de cosas a aquél que se inventó lo de “lo bueno si breve, dos veces bueno”. Pues no, queremos más; queremos conocer los tejemanejes de los Siete Reinos. Queremos más Medievo. Y más Magia.

“La Red Social” (“The Social Network, 2010) es una auténtica maravilla, una obra de arte.  La película de David Fincher refleja la vida de Mark Zuckemberg, el creador de Facebook. Se adentra en la personalidad del milmillonario más joven del mundo, contando todas sus luces y sombras durante el proceso de gestación de la red social más popular del mundo. Fincher (con guión de Aaron Sorkin) cuenta genialmente la historia de un genio, de Zuckemberg, pero también retrata un perfil, el del creador de puntocoms. Esta tipología empresarial cada vez es más común en nuestros días. Como se dice en una secuencia de “La red social” “En Harvard todo el mundo inventa un trabajo en lugar de dedicarse a buscar uno”. En Harvard y cada vez en más sitios, la creación de empresas es una de las mejores salidas profesionales para los jóvenes universitarios, por lo que el retrato de Zuckemberg se podría expandir al de otros muchos promotores.

El modo de narración de la película es no lineal, lo que queda bastante bien. La acción principal se desarrolla en dos procesos de acuerdo: Mark-Eduardo y Mark- Hermanos Winklevoss (interpretados por un único actor, Armie Hammer). A través de las declaraciones de las diferentes partes en estos procedimientos, se reconstruyen mediante flashbacks las acciones que dieron lugar a la creación de Facebook como si de un puzle se tratara. Un desengaño amoroso lleva a la creación de un concurso de Miss Harvard electrónico. Esto lleva a la participación en un proyecto menor y a la creación de Facebook, lo que a su vez conlleva nuevas amistades, pero también el fin de las más arraigadas.

¿Qué tiene “La Red Social”? Pues para empezar, una gran cadena de sucesos. De eso no tiene el mérito David Fincher, el director. Ni tampoco Aaron Sorkin, el guionista. El mérito solo lo poseen los personajes reales de esta historia. Pero Sorkin es el responsable de convertir este retal de sucesos en una historia bien formada. Y lo hace a la perfección. Y Fincher debe contar la historia de una manera que resulte efectiva, bella y comprensible. Y traducirla. Y también lo logra. Injerta de una forma sobresaliente trama, técnica, música, actuaciones… hace del totuum revolutum que podría ser la película sobre una vida que ni siquiera se ha mediado, como es el caso de Zuckemberg, una gran historia.

“La  Red Social” es el retrato perfecto sobre una persona. Sus puntos fuertes, sus debilidades, sus temores y sus seguridades. Pero “La Red Social” es el retrato de una nueva forma de vida, no solo para Zuckemberg, sino especialmente para todos aquellos que necesitan imperiosamente estar conectados a internet, una red cada vez más social.

El argumento de “Pi” es bastante sencillo: Max es un brillante matemático obsesionado por los números que busca un modelo circular de porqué la bolsa funciona como funciona. Una serie de coincidencias le acerca a unos numerólogos cabalistas. A lo largo de hora y media de rallada mental, Aronofsky nos transmite perfectamente todo por lo que transita Max. Desasosiego, locura, angustia… todo ello mediante dos de sus principales armas: la música y el montaje.

Una de las secuencias más recordadas del cine independiente moderno es la del colocón en “Requiem por un sueño” (“Requiem for a dream”, 2000). El montaje, la elección de planos y la música nos adentran en el cuerpo del drogadicto. Los expertos dicen que Aronofsky bebe de “El Hombre de la Cámara”, del cineasta ruso Dziga Vertov. Pero es que el realizador norteamericano ya había realizado una escena muy parecida en “Pi”. En lugar de una inyección con sustancias alucinógenas, Max toma unas pastillas. Pero la sensación de que nosotros somos los que tomamos esta medicina es la misma que nos atraviesa el cuerpo en “Requiem”. Otra de las “autoinfluencias” de Aronofsky se ve en la distorsión del protagonista, reflejada con movimientos de cámara muy bruscos. Lo hace en “Pi” y lo repite en “El cisne negro” con muchos más recursos.

Para relacionar el uso de la música hay que acudir, desde “Pi” hasta “El cisne negro” (al tener de protagonista a una bailarina, la referencia es clave) pero especialmente hasta “El luchador” (“The Wrestler, 2008), ya que sin ser un hilo conductor de la historia, la música es clave para reflejar el estado anímico del protagonista.

En “Pi” se ven todas las influencias posteriores. Aronofsky realizará el resto de sus películas basándose en ideas que aparecen en su primera cinta. En otros autores se nota. En Aronofsky las autoinfluencias son brutales. Por eso considero muy importante esta película. No por ser una gran obra en sí misma, sino por lo que trae consigo, por lo que conlleva, no en asuntos de guión o trama, sino en el apartado técnico. De “Pi” surge Aronofsky. Es el principio, la génesis de toda su filmografía. Y vaya si se nota.

La cinta que nos ocupa no llega a la calidad de ninguna de las anteriores, pero obviando este pequeño detalle, “Punch Drunk Love” tiene una gran variedad de razones por las que es una película altamente recomendable. Al contrario que “My Boogie Nights” y “Magnolia”, “Embriagado de amor” no es una historia coral. Marca un antes y un después en la carrera de Anderson, ya que su última obra, “Pozos de Ambición”, también se centra en un solo protagonista.

La historia no es nada del otro mundo. Un “empresario” que vende unos extraños artilugios (Adam Sandler) llama a un servicio de sexo telefónico para tener una charla trascendental. La cosa le sale mal y tiene ligeros problemas con el jefe de este servicio (Phillip Seymour Hoffmann). A la vez, decide comprar un gran número de natillas para ganar millas de vuelo en una promoción. Y a la vez, se enamora de Lena (Emily Watson), amiga de una de sus siete hermanas. El guión da muchas vueltas y se mueve muy bien entre lo cómico y lo dramático sin perder un punto de surrealismo.

El registro de actores de “Punch Drunk Love” es muy bueno. Adam Sandler, Emily Watson y Philip Seymour Hoffman (intérprete de cabecera para Anderson) hacen unos grandes papeles, especialmente Sandler, casi siempre encasillado en papeles de comedia, que demuestra desenvolverse perfectamente en una obra tragicómica nada bobalicona.

Unido a la calidad de los actores, hay que destacar lo buenos que son los personajes en sí mismos. Están muy bien ideados y las situaciones en las que se ven envueltos están tramadas con una gran maestría.

También me gustó el maravilloso manejo de los planos del director norteamericano. Técnicamente es perfecta ya que con el tipo de planos secuencia que utiliza Anderson, prácticamente refleja la personalidad del personaje, algo que no todos los realizadores saben hacer con corrección.

No me gustó, para nada, la música empleada. En alguna escena te saca completamente de la trama. No se adapta al ritmo narrativo, sino que desconcentra y no ayuda a seguir la historia.

“Punch Drunk Love” es el retrato de una realidad que parece un tanto irreal. Es el retrato de un inadaptado. Es el retrato de un amor extraño, pero amor al fin y al cabo. Y si unimos amor con locura, tenemos un estado de enajenación mental transitoria, que al fin y al cabo es lo que vemos en esta película.

Tintin ha viajado por medio mundo y en la película de Spielberg, según puede verse en el tráiler, el reportero revivirá sus más conocidas aventuras. La estética del nuevo proyecto del director de “La Lista de Schinlder” presenta similitudes con la de “Polar Express” ya que se ha utilizado la misma técnica de captación de movimiento. Hace unos meses, la revista Empire ya anunció las primeras imágenes de la cinta, y ahora la misma revista publica un gran trailer.

La verdad es que tengo muchas ganas de ver al Capitán Haddock, a Hernández y Fernández, al Profesor Tornasol… en sus mil y una aventuras. El proyecto de Spielberg y Jackson a buen seguro será de mucha calidad, por lo que todos los tintinólogos estamos de enhorabuena. En la nueva película, que se proyectará en 3D, aparecerán reflejados diferentes libros de Hergé, como “El Secreto del Unicornio” o “El Cangrejo de las Pinzas de Oro”

La figura del boxeador (o del luchador en el caso de la película de Aronofsky) es muy proclive a la épica. La mayor parte de los púgiles pertenecen a las clases bajas de nuestra sociedad. Y se hubieran tenido que ganar a golpes la vida de todas todas. Ser entibador, trabajar limpiando aceras, en un puerto, traficar, la prostitución o morir acribillado era el pan nuestro de cada día en las familias de muchos campeones. Al cuadrilátero se sube para devolver las tortas que da la vida. “Toro Salvaje” (película sobre el boxeador Jake La Motta) fue el germen. Luego otros biopics (“Cinderella Man”, “Ali”…) continuaron la senda iniciada por Scorsese. Pero estas dos cintas me parecen especialmente destacables.

“The Wrestler” cuenta la historia de Randy “The Ram” Robinson, una vieja gloria de la Lucha Libre. Su época pasó en los 80, pero su amor por el deporte hace que siga en activo, arrastrándose por rings de ínfima entidad y compaginando esta afición con un trabajo en un supermercado. La vida no le da facilidades, pero Randy recupera su gloria en el ring. Ahí puede ser él mismo y olvidarse de todo tipo de fracasos. Me gusta la selección musical (incluido el grandioso Sweet Child o’ Mine, de los Guns N’ Roses) y los movimientos de cámara cuando Randy entra al ring (o en su puesto de trabajo, lo que constituye una metáfora con gran fuerza narrativa). Randy pelea por eludir su vida, pero pelea tanto en el ring como en la realidad. Los diferentes personajes también luchan, pero él es especial. Él es “The Ram”. Muchos críticos vendieron la película de Aronofsky como el resurgir de Mickey Rourke. Hace un papelón y solo por su actuación merecería la pena verla, pero “El luchador” es mucho más. Es la historia de una generación de fracasados que sigue luchando por encontrar su sitio.

En “The Fighter” vemos más de lo mismo. Hay dos hermanos boxeadores. Uno con gloria pasada y poca cabeza (Dicky, interpretado por Christian Bale) y otro que siempre ha vivido a la sombra deportiva de su hermano (Mickey, por Mark Wahlberg). “The Fighter” es una película magnífica (basada en hechos reales) que se adentra en las miserias de una familia que vive a costa de que dos de sus miembros reciban golpes. El personaje de Bale pelea por seguir siendo el hombre que casi tumba a Sugar Ray Leonard, mientras se encuentra inmerso en un mundo de drogas y malas amistades. Mickey (Wahlberg) es un buenazo que en la vida ha ganado nada, pero simplemente está contento de no perder. Lucha porque sí. Hasta que encuentra una motivación. Salir de toda la mierda en la que está metido por culpa de su familia y ser feliz con su novia. A partir de ahí es cuando comienza a triunfar, tanto profesional como personalmente.

Dos películas totalmente recomendables sobre una forma de vida, la del luchador. Gente que vive recibiendo y repartiendo. Porque no sabe hacer otra cosa. El cine suele reflejar bastante bien esta realidad, pero “The Fighter” y “The Wrestler” la llevan a otro nivel, al de gran película.

José Sancho borda el papel de Rubén Bertomeu, un constructor ambicioso, que solo tiene un ansia: el dinero. Para conseguirlo destruye una tierra. La suya. Missent, un municipio de la costa valenciana. ¿Benidorm?, ¿Gandía? Sí y no. Tal vez uno, o seguramente todos ellos. La serie está ambientada en el levante español, pero podría narrar cualquiera de esas pequeñas grandes historias. Un empresario sin escrúpulos, listo como el hambre, levanta un imperio ahogando bajo sus cimientos a descerebrados que se venden por un puñado de dólares. Necesitados por cuatro perras que malvenden el terreno en el que crecieron sus abuelos para que snobs y nuevos ricos puedan veranear a tres pasos del mar.

En Crematorio podemos diferenciar seis tipos de personajes.

Rubén Bertomeu compra a todos los políticos, los tiene bajo su yugo. Los somete con promesas y fajos de billetes. Los corrompe, juega y baila con ellos. Los tiene comiendo de su mano. Al igual que a su mujer, a su nieta, a sus matones, a su abogado. Es un titiritero llevando los hilos de Missent, siendo esta localidad costera una metáfora de la sociedad en general.

Juana Acosta interpreta a Mónica, la mujer de Rubén. Ingenua, preciosa, cree saber lo que quiere. Mónica es la gran engañada en la comedia de “Crematorio”. Es la que más sufre sin obtener un máximo beneficio. Saca dinero, como todo el mundo en esta serie, pero el dolor no lo compensa.

Silvia Bertomeu, la hija de Rubén, es Alicia Borrachero. Independiente, cómplice, se aprovecha de la situación, pero se lava las manos. Ve pasar toda la inmundicia a su lado y no hace nada por intentar limpiarla. Solo se preocupa en no estropear sus caros zapatos de marca. Lleva una galería de arte, cuyos compradores acuden gracias a su padre. Ella finge no saber nada, pero es culpable como la que más.

Zarrategui, el abogado, interpretado por Pau Durà. Intermediario de la ley. Posee influencias tanto en la política como en la comisaria. Nunca se pilla las manos. Ayuda a Rubén a situarse en la alegalidad, ese limbo inmoral entre lo que la justicia castiga o deja estar.

Los políticos. Al igual que el abogado Zarrategui, los políticos ejercitan su “arte” de la corruptela en los despachos y aparecen tan fielmente retratados en “Crematorio” que siempre cuesta saber si los informativos que salen en la serie son de realidad o de ficción.

Las víctimas. Ciudadanos sin rostro, prostitutas, matones… son los peones en un juego de ajedrez en el que solo ganan las altas esferas. Son sacrificados a la mínima. Sarcós, Collado, Irina… forman parte del entramado mafioso donde ellos ponen el sudor de su frente y no reciben ningún beneficio.

El producto final es casi perfecto. El guión es inmejorable, técnicamente no tiene nada que envidiar a las grandes series de nuestro tiempo, las actuaciones son casi todas impecables. Hasta el tema de apertura, de Loquillo, es exquisito.

“Crematorio” constituye un fiel reflejo de la actualidad en algunas zonas de nuestra piel de toro. Todo acaba y termina en el mismo sitio, al igual que en la vida real. La sociedad es una incineradora construida con podridos ladrillos de poder. El ladrillo se desinfla, y la sociedad cae con él, en un esperpento que la serie de Canal Plus capta perfectamente. En “Crematorio” solo quedan cenizas. Cenizas de ladrillo.